Pour l’ouverture de la première exposition de Georges Pelletier en Asie le magazine Domus à réalisé un article le céramiste Georges Pelletier , parmi les meilleurs artistes présentés.
Georges Pelletier, l'un des céramistes les plus représentatifs de France dans les années 1960, utilisait une approche sculpturale pour façonner l'argile à la main, incorporant des structures ajourées audacieuses et l'interaction de la lumière et de l'ombre, transformant la poterie d'« objets utilitaires » en « art poétique ».
À l’âge de 15 ans, il part étudier à Paris, où il est formé par le maître cubiste Fernand Léger et découvre Charlotte Perriand à l’œuvre dans des projets d’architecture et de mobilier. Ces expériences aux côtés de maîtres façonnent profondément sa sensibilité aux matériaux, aux formes et aux espaces. Après avoir fondé son propre atelier à 23 ans, il collabore pendant douze ans avec la Maison Bobois (aujourd’hui Roche Bobois), ce qui lui assure une renommée européenne.
Dans les années 1970, alors que les tendances en matière de céramique évoluaient, il s’installa à Cannes, en France, pour y mener une vie confortable tout en poursuivant son travail créatif personnel, explorant pendant des décennies la relation entre la lumière et l’argile. En 2010, la mode vintage fit son grand retour en Europe, et ses œuvres furent de nouveau recherchées par les célébrités et les marques.
L’exposition « La lumière réside dans la terre », présentée à la galerie Monokeros de Shanghai, réunit plus de trente œuvres emblématiques de Pelletier, des lampes sculpturales aux décorations et ornements en miroir, autant d’éléments qui instaurent un dialogue entre la lumière et la céramique. La série de lampes « Soleil », la plus symbolique, avec son design rayonnant, évoque la lumière éternelle qui émerge de l’argile ; filtrée par la surface ajourée de la céramique, elle projette un halo doux et chaleureux, faisant de chaque lampe non seulement un luminaire, mais aussi une sculpture.
L’intuition était le moteur principal de l’œuvre créative de Georges Pelletier .
Son fils, Benjamin Pelletier, a déclaré dans une interview :
« Mon père créait toujours de manière intuitive ; il n’a jamais mentionné de source d’inspiration précise. Toutes ses œuvres étaient conçues selon le désir et l’intuition, plutôt que par référence à d’autres objets. »
Ces symboles et totems récurrents sont les traces de cette intuition : qu’il s’agisse de la lumière rayonnant du centre de la lampe ou de la texture creusée à la surface de la terre cuite, chaque extension de forme répond à des sentiments intérieurs plutôt qu’à des normes extérieures.
L’intuition est visualisée dans cette exposition, façonnant non seulement les œuvres, mais préfigurant également un dialogue créatif intergénérationnel entre père et fils, une vitalité qui échange continuellement entre savoir-faire et lumière et ombre, idées et matériaux.
Dans l’atelier de Pelletier, l’argile n’était pas une substance statique, mais une entité rythmique. Benjamin se souvient du processus créatif de son père :
« Il ne parle pas beaucoup, mais chacun de ses mouvements révèle patience, méticulosité et la joie de créer. »
Depuis des décennies, l’interaction de la lumière, de l’argile et des mains a créé un langage commun entre le père et le fils : chaque sculpture, chaque découpe, chaque couche d’émail est une écoute et une réponse à la matière. « Le plus complexe est d’assembler les différents éléments de l’œuvre pour créer une harmonie entre l’équilibre structurel et les éléments en suspension. »
Lorsque Benjamin évoquait les lampes emblématiques de la série « Soleil » de son père, il expliquait que les sphères et les formes rayonnantes semblaient danser à la surface de l’argile, et que la lumière, filtrant à travers les ajours et les textures, diffusait une chaleur douce et persistante. La cuisson était entièrement réalisée à la main, et chaque résultat était une expérience unique et aléatoire. C’est précisément cette subtile incertitude qui imprégnait chaque pièce d’une empreinte indélébile.
Le père de Benjamin lui a transmis non seulement des compétences techniques, mais aussi un sens aigu du beau : l’appréciation de la beauté de l’irrégularité et de l’imperfection, et le respect de la spontanéité et de la liberté créative. Initié à la fabrication d’accessoires décoratifs, Benjamin a progressivement participé à chaque étape, du façonnage à la cuisson, puis à la restauration des pièces finies et à la perpétuation de l’artisanat. Il utilisait les outils et les méthodes de son père, permettant ainsi au dialogue entre la lumière et l’argile, à la chaleur de ses mains et au rythme de la flamme de transcender le temps.
Dans l’exposition « La lumière habite la terre » de la galerie Monokeros, chaque œuvre conserve les traces du travail artisanal et l’empreinte du temps : la lumière traverse l’argile, projetant des métaphores sur la concentration, la patience et le rythme de la vie ; la terre, dans sa forme la plus rustique, porte en elle la chaleur de la création. Comme l’a dit Benjamin :
« J’espère que lorsque le public verra l’œuvre illuminée, il ressentira le même émerveillement qu’un père lorsqu’il a vu pour la première fois son œuvre illuminée ».
Dans le pouls de la terre et du feu, la lumière et la forme des objets faits main sont redécouvertes, et le temps de la création s’en trouve ainsi prolongé.
À la galerie Monokeros, l’œuvre de Pelletier est à nouveau illuminée : la lumière, filtrée par les surfaces ajourées et courbes de la terre cuite, projette des ombres sur les murs et le mobilier vintage, créant des rythmes subtils qui font écho à l’espace. Le lien entre la lumière, l’argile et le travail manuel, fruit de la collaboration entre le père et le fils dans leur atelier, se prolonge ici par une interaction perceptive entre le spectateur et le lieu.
Xiao Jie, conservatrice de la galerie Lonely Horn, entretient elle aussi un lien affectif profond avec ces œuvres. Son mari, Mathieu, a commencé à collectionner les œuvres de Georges Pelletier sur le marché des antiquaires il y a vingt ans, témoin de ses évolutions créatives dans les années 1960 et 1970.
Après l’ouverture de leur galerie à Shanghai en 2021, Monokeros a visité l’atelier du père et du fils et a commencé à planifier sa première exposition en Asie.
Ces quatre années d’attente représentaient non seulement une accumulation de temps, mais aussi un respect pour le rythme du travail artisanal : les œuvres de grande envergure et sculpturales présentent un risque élevé de cuisson, et chaque pièce exige un travail de perfectionnement patient avant d’être pleinement présentée.
L’espace d’exposition lui-même devient le prolongement des œuvres. Conçue par HT Studio, la galerie Monokeros s’étend sur environ 1 500 mètres carrés et évoque davantage un espace d’art intime qu’une galerie traditionnelle. L’équipe de commissaires a pleinement exploité les caractéristiques du lieu lors de l’installation, créant une harmonie entre les lampes en céramique, les sculptures et le mobilier vintage de l’artiste. Au gré des jeux d’ombre et de lumière, les visiteurs perçoivent la présence de chaque pièce, comme si elle y avait naturellement sa place.
Lorsqu’elle a évoqué l’acceptation actuelle du marché chinois pour l’esthétique vintage et le mobilier artistique, Xiaojie a mentionné :
« Le mobilier vintage et les objets artisanaux sont de plus en plus appréciés. Comparés aux objets anciens transmis de génération en génération dans les foyers européens, les meubles anciens authentiques sont relativement rares en Chine. Cependant, l’intérêt des consommateurs chinois pour les objets chargés d’histoire et imprégnés de la chaleur du travail artisanal reste intact. »
Au cours de la dernière décennie, grâce à la promotion médiatique et à la sensibilisation du marché, cette demande s’est progressivement étendue à différentes tranches d’âge et régions. Selon elle, ce qui touche véritablement le public chinois, c’est l’individualité et le savoir-faire exceptionnel des pièces elles-mêmes, bien plus que la simple notoriété de la marque. Même les meubles produits en très petites quantités dans de petits ateliers peuvent trouver leur public en Chine si les matériaux sont soigneusement sélectionnés et le travail artisanal unique. La délicatesse de ce travail – bronze, parchemin, peau de poisson ou os de bœuf – permet aux spectateurs de ressentir le poids du temps et la chaleur de l’artisanat. Comme l’a dit Xiaojie :
Il convient de mentionner que même dans la dernière demi-heure de sa vie, Pelletier travaillait encore, continuant à travailler la terre avec le même dévouement qu’il avait manifesté pendant des décennies.
C’est pourquoi ces œuvres possèdent une vitalité qui brûle sans cesse, une persistance à la fois douce et puissante.
L’exposition fut ainsi créée, permettant à cette lumière de continuer à être vue aujourd’hui.
